“Com’è fresco il soffio del vento!

La pace è ogni passo.

E fa gioioso il sentiero senza fine.”

Thich Nhat Hanh, La pace è ogni passo

Il sentire profondo diventa consapevolezza quando il sensibile si trasforma in una forma di relazione dialogante tra l’Essere, l’uomo, la natura, gli animali e la tecnologia. Un viaggio tra arte e realtà digitale che prende vita a partire da un gruppo di visionari dell’arte tuffati in un mare gestuale ricco di dettagli, simboli e minuziosità immaginaria. Dal largo di un orizzonte sereno, l’attenta e curiosa visione si mescola con la pazienza del cuore di ogni artista curioso di costruire parti di sé nell’intento di scoprire sentieri ancora incontaminati e da esplorare. Si struttura una fusione tra l’arte, il mondo virtuale, la tecnologia, le varie tecniche artistiche e la bravura di ciascun artista di ideare, costruire e post strutturare. Ogni momento riflessivo costituisce una parte mancante dell’insieme linguistico che subisce un processo di trasformazione prima, durante oppure in seguito, come totalità del messaggio finale. Dal mondo reale si interpreta il necessario come passo successivo per una forma linguistica che tende a diventare più ampia tramite collegamenti iconografici, tecnici e filosofici. Un gruppo di artisti e appassionati dell’arte di varie nazionalità e libertà ideative sono stati messi assieme sotto forma visiva, riflessiva, simbolica e in rapporto all’etica umana di un saper essere di fronte alla tecnologia, alla natura e agli animali in maniera responsabile e consapevole. Si esige una visione priva di imposizioni e sempre più lontana dal male del potere conquistato. La specie umana ha bisogno di ritornare in sé e di reimparare a saper osservare, rispettare e amare tutto ciò che circonda il suo essere fisico e mentale. L’integrazione etica tra l’uomo, la natura, gli animali e la tecnologia diventa una necessità attuale, soprattutto all’interno di un mondo sempre più veloce e illimitato nell’esporre sé stesso come un prodotto sempre in vetrina. Un’arte riflessiva verso il tipo di approccio che abbraccia l’essere umano nei confronti del mondo, della biodiversità, degli animali e delle tecnologie partendo da sé stesso come fonte di esperienza primaria. Un passo alla volta per una conquista più durevole, ma senza dimenticare l’importanza delle proprie abitudini e il comportamento verso gli altri. Un percorso dall’interno verso l’esterno e dall’esterno verso l’interno in una continua forma ermeneutica che sorge ogni volta che nasce un pensiero coinvolgente e attivo. Il continuum di una mente ermeneutica porta alla luce visioni e analisi altre, messe a confronto con fonti e materiali già esistenti nell’intento di ricavare la massima maniera interpretativa per ogni elemento singolare, ma sempre parte di un insieme. Si esige una costruttiva unione tra l’utilizzo della tecnologia sempre in rapporto all’ambiente, all’uomo e agli animali. Una critica della realtà in maniera costruttiva per dar nascita a varie curiosità, domande e riflessioni tra il nostro modo di agire e vedere le cose e il modo di sentire e saper essere empatici. Un fare arte coinvolgente, sensibile e responsabile come forma di riflesso della propria sensibilità e di un pensiero attento. Una fusione tra varie tecniche artistiche e realtà digitale come principio di una metafora su ciò che sta realmente accadendo, cioè, un mondo sempre più mescolato alla dimensione virtuale. Si porta all’importanza della luce una serie di elementi che fanno parte della nostra vita, ma che bisogna capire come realmente sono presenti. Quale è l’intendo di una presenza se è peggiore dell’assenza! L’essere umano è in grado di distruggere in un secondo quanto in centinaia di anni è in grado di creare. Sta nelle mani di ciascun essere vivente il modo in cui dedicare il tempo senza fare alcun male, ma sempre come forma neutra oppure in rapporto. Un rapporto che fa crescere l’essere sensibile e dà vita ad un cammino ricco di vitalità e sembianze empatiche nel e con il mondo.

Un’arte come soluzione tra la dimensione digitale e l’arte fisica in un continuo scambio di esperienze e strategie visivo-estetiche. Si tenta di utilizzare le potenzialità creative del mezzo digitale come forma di estensione narrativa, interpretativa, filosofica e iconografica oppure come scatto monumentale reso ancora più dominante tramite la scelta dei forti contrasti cromatici. Colori, forme e visioni uniti in un unicum espressivo come pretesto di una più complessa sensibilità estetica che va al di là di qualsiasi immediatezza materiale. Uno sguardo profondo attraverso l’arte che passa dal dovere di ogni cittadino di possedere il senso morale di saper rispettare la fauna e la flora in qualsiasi parte del mondo. Un insieme di pensieri che ci porta a riflettere attraverso il racconto fotografico pienamente vissuto e scattato dall’artista fotoreporter e nuovo zooantropologo Claudiu Sima all’interno della biodiversità del Costa Rica, oppure attraverso le opere fotografiche caratterizzate dalla pura sperimentazione che passano dal mondo analogico alla dimensione digitale sotto un aspetto di arte del saper osservare, toccare e fare all’interno di un’energia di spontaneità, simboli, sfumature, linee, colori, gestualità pittoriche e voci interpretative da parte del gruppo Nata Toja composto dagli artisti  Federico Vacca Massaro e Francesca Adriana D’Anza. Dall’altro lato le immagini fotografiche urbane di Gao Yuxi sentite e vissute all’interno di una realtà altra e rappresentate come frammenti di memorie ferme nel tempo e nello spazio all’interno di un mondo caratterizzato dal dinamismo continuo. La seconda stanza si trasforma in un passaggio narrativo tra l’installazione scultorea di Haidong Bai, che racconta un percorso di master accademico come forma di riflessione sulla voce dell’identità e sul processo dell’evoluzione di essa che forse viene coinvolta oppure travolta dalla società stessa e il video coinvolgente di Claudiu Sima dentro una nuova dimensione culturale e sociopolitica. La mostra TechArte mette insieme un gruppo di artisti diversi tra di loro e impegnati in una società che continua a cambiare, ma che sta andando sempre di più verso un’inutile superficialità nel guardare il mondo intero. TechArte unisce il mondo analogico e artigianale alla dimensione digitale e tecnologica sotto l’aspetto di un’arte come forma di osservazione altra, più profonda e minuziosa che è in grado di rispettare e amare tutti gli esseri viventi, l’ambiente e la natura in un’unica soluzione: saper creare un’arte responsabile e consapevole dentro un vissuto virtuoso. Un’arte che si confronta con la realtà e sempre impegnata con un fare che passa dal reale verso una composizione artistica e dalla gestualità manuale a quella digitale come forma finale. In un ambiente complesso e ricco di contrasti il vissuto di ciascun essere vivente ha bisogno di vestirsi di pura semplicità come forma di ritorno all’essere primordiale e sempre a contatto con la natura, con sé stessi e con gli altri, in un’armonia continua e ricca di scambi culturali. Un ritorno all’uomo primordiale di un essere evoluto e sempre in ricerca di una meta come stimolo della vita e di un pensiero creativo e attivo. I giochi di luce e di ombra, la maniera espositiva delle opere, l’odore degli oli essenziali e la soave musica strumentale accompagnano l’osservatore tra gli spazi coinvolgenti della mostra d’arte digitale TechArte. Le opere fotografiche dedicate al mondo animale tra rispetto della biodiversità e la lotta contro il braconaggio si incontrano per la prima volta con le opere convolgenti tra natura, fluidità e visioni altre in uno spazio unito e composto in rapporto all’arte e tra essa e l’uomo, la natura e il mondo digitale. Una mostra come forma di soluzione al saper utilizzare la tecnologia in maniera creativa, etica ed educativa senza sforzare e chiedere troppo, ma essere capaci di creare un dialogo aperto all’altro senza barriere e limiti. Un’apertura che rispetta i tempi, gli spazi e i bisogni degli altri, che è capace di utilizzare la tecnica e di essere continuamente responsabile dei suoi effetti. Così le potenzialità creative e potenziate del mezzo vengono trattate in maniera educativa, consapevole e immersiva in rispetto e al servizio dell’arte come capacità estensiva e di una nuova maniera curatoriale. Sguardi, sfumature, luci e colori interpretati dal padre artista compiono il viaggio dalla mente fino all’opera finita e giungono vicino ad una  reinterpretazione che contempla già dentro di sé una storia primordiale.

Claudia Ivan

(…)“L’essenza della libertà non è originariamente connessa alla volontà o meno ancora soltanto alla causalità del volere umano.”(…) “L’essenza della tecnica moderna si mostra in ciò che chiamiamo l’imposizione.”(…)

Martin Heidegger, La questione della tecnica

L’artista fotoreporter Claudiu Sima, attraverso la sua passione, porta per la prima volta alla luce una serie di scatti fotografici caratterizzati da un laborioso, lungo e paziente cammino di studio e ricerca all’interno della biodiversità costaricense. Un paese caratterizzato dalla ricca e lussureggiante vegetazione, dalla varietà di animali selvaggi e dall’essere anche un luogo dove la cultura si apre al rispetto della natura stessa e del suo corso naturale. L’amore per l’ambiente e per gli animali si unisce così all’arte dello scatto fotografico digitale nella sua massima spontaneità. Si immortala un momento unico e irripetibile sia da un punto di vista temporale che visivo e artistico. Il tempo diventa uno spazio ricercato e in seguito sentito e osservato per una finalità artistico-filosofica. Un’arte fotografica zooantropologica che analizza e studia il rapporto tra gli esseri umani e le altre specie e fortemente connessa all’attento studio della biodiversità e all’interazione fra le varie specie all’interno di ecosistemi complessi come quelli del Costa Rica. L’arte ora diventa la voce della natura e degli animali come fonte di riflessione e ispirazione verso un futuro più responsabile e privo di superficialità eco/socio-ecologico. La realtà pienamente vissuta viene trasformata in un’arte digitale di un sentire al meglio ciò che l’ambiente e il nostro mondo ha veramente bisogno. Opere che toccano l’anima nel profondo del cuore sotto forma di risveglio per un’umanità non più l’auriga del proprio destino, ma facilmente e volutamente manipolabile. Da un punto di vista tecnico l’artista utilizza un pensiero post scatto tramite il processo di desaturazione selettivo oppure parziale, o cut-out che gli dà la possibilità di mantenere i vari colori in una sola area di un’immagine e lasciare lo sfondo in bianco e nero. Una tecnica che gli permette di mettere in risalto le parti importanti dell’opera come forma estetico-filosofica rendendo così il soggetto il protagonista del momento e del processo evolutivo della sua specie. Attraverso tale processo tecnico, l’artista porta alla luce persino la continua perdita di vegetazione e la scarsa consapevolezza degli esseri umani dinanzi ad un intensivo sistema di deforestazione a carattere devastante per gli habitat e la vita di varie specie. In seguito alla stampa delle opere fotografiche, l’artista si dedica alla tecnica del collage di vegetazione digitale tramite l’utilizzo e l’applicazione a colla di varie foglie verdi disegnate digitalmente e stampate su una carta particolare e spessa. L’insieme del fare tra digitale e artigianale si conclude attraverso l’incollatura in primissimo piano di alcune foglie su ciascun’opera fotografica, dando nascita così ad una serie di fotografie zooantropologiche a collage. Claudiu esige, tramite la sua arte zooantropologica l’urgente necessità di riforestazione, in quanto l’uomo ha bisogno di ripristinare l’equilibrio ambientale e la sua relazione con la natura entro quando non sarà troppo tardi. Un lavoro tra manualità e tecnologia nella sua piena immaginazione artistica di un’azione pensata ed elaborata come forma di un’arte responsabile e consapevole capace di trasmettere un vero messaggio tra concreto, attuale e sostenibile.

Ora è il momento di lasciare la parola all’artista:

“Con le opere che espongo voglio esprimere la mia filosofia per quanto riguarda l’importanza della biodiversità animale nell’ecosistema e dell’evoluzione della specie che insieme alla biodiversità vegetale sono la ricchezza di vita sulla terra. La cura dell’ambiente è un tema che riguarda tutti, il nostro benessere e la nostra salute dipendono strettamente dal modo in cui trattiamo le risorse ambientali e dalle scelte che compiamo per preservare o meno la natura che ci circonda. Le influenze ambientali purtroppo hanno un forte impatto anche sull’evoluzione della diversità delle specie e per mantenere questo fragile equilibrio è importante che le nuove generazioni abbiano in mente la questione ambientale e siano preparati ad affrontare le numerose sfide che presenterà. Iniziare questo processo già nelle scuole per promuovere la partecipazione attiva degli individui, contribuendo a fornire spunti di riflessione e di approfondimento. Il cambiamento climatico è una realtà già percepibile oggi, e potremmo non essere in grado di contenere il surriscaldamento globale dal periodo preindustriale. Oltre al pericolo climatico, il bracconaggio rappresenta un’altra minaccia per la fauna e nella mia avventurosa ricerca ho avuto l’onore di partecipare insieme ai guardaboschi alla distruzione di una postazione abusiva per l’abbattimento degli animali. In un centro di soccorso animali, ho partecipato anche ad un programma di salvataggio animali selvatici feriti e piccoli cuccioli rimasti orfani a causa di incidenti e spesso del bracconaggio. Per fotografare animali selvatici in natura ci vuole passione, costanza e molta pazienza perché l’animale non è un soggetto statico. Molto importante quindi, quando si tratta di fotografare animali selvatici, a prescindere da quanto sia efficiente l’attrezzatura o da quanta esperienza si ha sul campo, bisogna capire che all’animale non è stato insegnato a mettersi in posa davanti a una fotocamera; quindi, ci vuole molta calma perché il momento giusto per la miglior foto arriverà. Per portare a casa una fotografia che possa trasmettere qualcosa di particolare e di speciale di un animale, spesso si attendono ore e ore e si fanno centinaia di scatti.”

Claudiu Sima

Cosa è la vita se non un viaggio che lascia dietro di sé memorie inconfondibili e uniche nel modo di vedere e vivere all’interno di un tempo senza spazio, ma nella sua piena libertà espressiva. Soggetti e oggetti esposti come protagonisti di una testimonianza quotidiana resa immortale attraverso gli scatti fotografici dell’artista Gao Yuxi. Un’artista di origine cinese, laureato in fotografia presso l’Accademia di Belle Arti di Brera, racconta la sua storia vissuta dentro una realtà altra ricca di stimoli e sguardi artistici. Un’indagine approfondita sul proprio sguardo di un saper riflettere di fronte a ciò che sembra non essere. Primissimi piani di oggetti industriali si alternano alle inquadrature, linee e composizioni scenografiche come testimonianze storico-artistiche di un vissuto urbano e accademico. Dalla prima fonte di ispirazione culturale si passa così dall’arte di uno sguardo cinese verso un’arte cinese occidentalizzata dai tratti visivi e sensibili come frammenti di memorie trasformate in esseri viventi tramite narrazioni fotografiche di un’urbanità liquida. La realtà diventa un pretesto per vedere oltre l’immediatezza di ciascun oggetto e soggetto catturato dall’occhio curioso e analitico dell’artista stesso. Una fotografia del profondo di cose che sembrano forme senza alcuna importanza, ma in realtà vengono trasformate in testimonianze di un momento che guarda avanti, ma che può restare sempre vivo tramite tale maniera artistica. Un’arte del frammento come testimonianza di una serie di momenti resi immortali da una visione altra e analitica che porta dall’esterno verso un’interno infantile e dall’interiorità mnemonica verso un’esteriore ricco di ricordi passati e presenti. Tutto passa velocemente e nel tutto si passa per maturare e crescere insieme a noi, con noi e con gli altri senza una certa velocità, ma soltanto attraverso una grande sostanza e costanza. Sguardi e ripetuti sguardi si celano sull’obiettivo freddo e pronto verso nuove sfide tramite occhi e culture diverse, ma unite per l’amore dell’arte. Un valore che sembra un non valore di una realtà fermata per un attimo come pensiero di consapevolezza umana. Lascio le parole all’artista come fonte primaria di espressione artistico-filosofica:

“Penso che scattare foto sia come un modo per conservare la memoria.

Nel tempo, le memorie diventano frammentati, sfocati, uso la mia macchina fotografica per conservare le mie memorie più profonde

li chiamo frammenti di memoria 

Questo portfolio è stato registrato durante i miei sei anni di vita in Italia in cui poche persone sono registrate, la maggior parte sono luoghi che ho guardato fisso quando ero solo,

Ogni volta che si preme l’otturatore è come la fine di un dialogo tra persone e cose,

Vorrei fotografare tutto ciò che ho vissuto e salvarlo sotto forma di foto, poi metto questi frammenti di memoria nel mio vaso di Pandora.

Questa scatola magica nasconde il sé più vero. Il cuore umano è molto complicato e contraddittorio.

Chi sono io? Cosa vorrei fare? Quante facce ho nella mia vita? Che tipo di ruolo vorrei interpretare?

Quando guardo le mie foto è davvero come ricordare il passato e osservare le profondità del mio cuore.

Mi hanno attratto e mi hanno spinto a premere l’otturatore Anche se sono cose molto poco appariscenti, ma hanno tutte le loro storie storiche, che mi fanno pensare al loro valore presente o passato.

Gao Yuxi

Il vento che soffia leggero sul volto ti fa sentire un’aria di freschezza che nasce dalle brezze del mare infinito tra onde di colori, poesie naturali e luci squillanti. Un mondo nuovo, ma ancora agli esordi del capire la vera consistenza ed essenza dell’importanza di un’armoniosa unione tra l’uomo, la natura e la sua intelligenza culturale. Una ricerca coinvolgente che richiama l’epoca dell’antica Grecia come forma di riflessione sul processo cognitivo e mentale razionale e privo di giudizio. L’etica diventa sospensione di una morale non ideologica, ma umana e responsabile come un tutt’uno libero nel tempo e nello spazio da ogni condizione o preimpostazione circonferenziale. Un atto istantaneo di un momento osservato e contemplato nella sua massima potenza emotiva per portare alla luce un insieme evolutivo e costruttivo di un prima e di un dopo del lavoro dei campi arati caratterizzati tra manualità e tecnologia, tra l’umano e la pelle della terra. Sentirsi nella pelle di una profondità carnale che è dentro il tessuto di un sentimento che s’incarna nella natura della pelle stessa. Opere di uno sguardo analitico che si compongono dall’interiorità della materia verso un esterno percettivo come movimento costruttivo di una più complessa realtà. Una maniera digitale caratterizzata da un lungo processo sperimentale tra punti di vista, scatti fotografici e l’utilizzo di vari materiali. L’artista Federico Vacca Massaro parte da una tangibilità iniziatica per unire l’efficienza quotidiana di una serie di lenzuoli in cotone ad intime sfumature di corpi che sembrano delicatamente nuotare oppure volare dentro uno spazio di un’aria acquatica e fluida e sospeso nel tempo. Fotografie in bianco e nero stampate su cotone e caratterizzate dall’unicità dei materiali e dai contorni delicati, sottili, leggeri e sfumati tra luci e ombre di personaggi in primo piano che guardano verso l’orizzonte e mai il pubblico. Un’arte sperimentale che unisce la manualità, la tecnologia digitale, l’analogico e l’umano alla natura e al suo processo. L’arte fotografica diventa essa stessa un’indagine artistica che passa dall’idea alla scelta della macchina fino allo scatto finale e alla stampa che rende immortale un pensiero e una visione di un’istantaneità permanente. Opere corporee che si costruiscono attraverso una maniera sperimentale, nuova e visionaria su lenzuolo in cotone, proiezioni fino a 12 ore, pennellate di argento e luci rosse che bagnano leggermente la materia ancora in fase di sviluppo. Raffigurazioni che fluttuano nell’aria in rapporto tra il pensiero dell’artista, le varie tecniche artistiche e la finalità visiva come composizione di un equilibrio tra le parti. Leggiamo la descrizione dell’artista:

“Lenzuola, tele di cotone tagliate con delle misure sulle quali vado ad impressionare una ricerca di fotografie subacquee che faccio ispirandomi alla leggerezza dell’acqua e dell’aria. Le sirene quando nuotano sembrano che volino in un’acqua pulita, come anche i flap degli aerei, comunque l’aria è un elemento liquido, gasoso e si può assomigliare i flap degli aerei alle pigne dei pesci. Quindi, tutto su questa leggerezza. Queste fotografie io le faccio in analogico, le sviluppo e poi le proietto con un proiettore degli anni ’80 di fotografie analogiche per il bianco e nero. Le proietto contro il muro ad una distanza tale, più allontano più si ingrandisce l’immagine. Cerco un equilibrio tra una grana, anzi la grana è troppa, che resti pittorico, ma che si percepisca l’immagine e proietto. Le proiezioni possono durare anche 12 ore!

Una proiezione che ci mette tempo. Ovviamente non proietto sul lenzuolo asciutto. Prima il lenzuolo lo preparo con l’argento, ecco la fotografia argentica analogica, fotografia all’argento che viene impressionata e si brucia, laddove brucia di più, più nero, dove brucia di meno fai i toni dei grigi. La faccio a bagnomaria, la squaglio a bagnomaria sempre al buio in camera oscura e la squaglio su un fornelletto. Squaglio l’argento e poi con un pennello giapponese piatto inizio a pennellare questo argento che poi sarà impressionato dal faro, dalla proiezione e farà sorgere l’immagine, lo pennello su lenzuolo. Fatto questo, applico il lenzuolo alla parete e inizio la proiezione. Ovviamente c’è molta sperimentazione perché poi devo fare anche dei provini, e anche i provini durano delle ore della proiezione. Finita la proiezione, sempre al buio accendo una luce rossa che illumina, che non fa bruciare l’argento, molto fiocca e in delle vasche grandi con dei contenitori inizio ad usare i chimici per sviluppare dei solfuri per sviluppare l’argento per annerire la parte dove la luce ha bruciato l’argento, e sviluppa solo dove interessa a me, ovviamente. Tipo faccio uscire l’immagine con queste. Viene, come dire, fatto con lenzuolo su dei telai per collata dall’alto io faccio sviluppare l’immagine dove mi interessa. Fatto questo, poi la sciacquo con dell’acqua e aceto che brocca il bagno e poi la fisso con un bagno di fissaggio che fissa l’argento. Questo è il procedimento. E poi il lenzuolo viene appeso e fatto asciugare con l’immagine venuta fuori. “

La delicata gestualità di una ricerca di equilibrio continua anche attraverso alcune opere create dall’unione sperimentale e visionaria del gruppo Nata Toja che è un artista-non artista formato dall’artefice plurime Federico Vacca Massaro e dalla pittrice Francesca Adriana D’Anza che insieme si annullano per l’arte. Sono opere caratterizzate da una tecnica mista su foto sviluppate da rullino di una fotocamera subacquea fotografica usa e getta e stampate in maniera digitale su carta cotone A4 tiepolo fabriano e stampa analogica su Iiford politenata e baritata 24×30. Viene compiuto un passaggio puramente sperimentale nella sua piena vitalità, tra corpi coinvolti in uno scenario filosofico-visivo e messi in scena attraverso scatti fotografici e gestualità pittorico-astratta come atto di una spontaneità manuale da parte dell’artista F. A. D’Anza. Si da nascita ad un tempo e spazio unico rappresentato da una fusione artistica tra processo analogico-digitale e linguaggio pittorico di un’energia che continuerà a vivere nella mente e nella visione del partecipante.   All’attimo e al dinamismo il corpo si incarna alle forme delicate e coinvolgenti che fanno immergere lo sguardo all’interno di una narrazione di un profondo vissuto. La consapevolezza insieme alla naturalità del percorso della vita diventano un unico corpo da vivere nel suo pieno rapporto esistenziale. L’equilibrio di un’esistenza che è ricca di sostanza e priva di superficialità, ma composta da tonalità di benessere vitale e profondità interiori. Osservare, contemplare e amare la natura, l’ambiente, se stessi e il mondo come se fosse tutto un proprio Io privo di distinzione, ma caratterizzato da corpose e vere emozioni da poter incanalare e trasmettere.

Secondo il pensiero di Federico:

“Volo, bagnata da chi in eterno fluttua. In alto, in basso e ancora volo. Non v’è ragion che a ragion mi tenga. Il resto è un ricordo che da una battuta decisa di pinna è presto allontanato. Se non altro, almeno il liquido… Salato per la maggior parte, con acuti dolci quasi mai, indimenticabili. Il risalire delle correnti non ci ha portati subito nei luoghi fatti di abissi precisi, bensì ci son voluti il doppio degli affanni e molte squame perse. Finalmente l’appagamento. Quegli abissi allora sconosciuti, in affanno raggiunti, par che siano adesso ameni e familiari anfratti che mi rimandano d’un tratto al mio buio e freddo, ma familiare rifugio primordiale. Non disdico a volte le facili correnti seguendo il flusso, assecondandolo. Mi capita sempre di meno, ma quando è possibile la mia forte pinna ne gioisce e i seni, dal canto loro, ne subiscono il dolce ed incontrollato massaggio che l’acqua crea loro.

Acqua… Madre, complice, amante… Nemica.”

Da “Sirene del Cilento” di F. Vacca Massaro, 2009-10

“Il discorso del lavoro tratta un corpo vivente che si forma sotto una “crescita naturale” e di “intervento artificiale”. Dalla prospettiva dello spazio fisico, l’opera è stata divisa in due parti, quella interna e un’altra esterna. All’interno degli spazi composti da linee a griglia si vedono i bambini e l’esterno è circondato da farfalle colorate che rappresentano rispettivamente “i prodotti artificiali” formati da norme sociali, vari interventi e dalle “creature naturali”. Il motivo per cui metto i bambini in uno degli elementi principali del proprio lavoro è perché nella nostra coscienza, i bambini sono il simbolo di purezza e brillantezza, ma allo stesso tempo dimostrano l’ignoranza e l’immaturità. Prima di essere influenzati o educati dalla società, agiscono quasi istintivamente, proprio come tutti i fiori, le piante e gli alberi nel mondo, selvaggiamente e senza restrizioni. A mano a mano che i bambini crescono, attraverso varie educazioni e consapevolezza del buon senso sociale, sono come “righelli, siringhe, cacciaviti” presentati nell’opera. I simboli creati artificialmente lasceranno un segno su ogni bambino, che diventano una sorta di prodotto creato sotto l’esclusiva struttura sociale degli esseri umani. Finora, i bambini nello spazio scultoreo sono diventati come una duplice crescita della natura e della società, una contraddizione tra la natura e l’intervento umano. Invece, le farfalle fuori dallo spazio, essendo la crescita nell’ambiente naturale, rappresentano ogni fiore, ogni pianta e ogni albero senza alcun intervento sociale umano. Rispettano solo le proprie leggi della giungla, e tra un appassito e un boom, usano il “selvaggio” per esprimere il rispetto più primitivo per la vita. L’opera, in concluso, usando i diversi media e il suo nucleo creativo torna al punto di partenza originale di una: “crescita selvaggia avvolta da nutrienti sociali”.

Haidong Bai

Si apre con l’artista di casa Haidong Bai un orizzonte curioso e interpretativo di lunghe conversazioni tra una mente creativa e un processo interiore nella sua massima sensibilità per i rapporti utili e costruiti da parte dell’umano primordiale con sé stesso e di conseguenza con la società in cui è e per cui vive. Un pensiero altro come forma di evoluzione autoriflessiva, riflessiva e di consapevolezza come specchio del proprio vissuto che passa dalla maniera più intima e unica fino alla contaminazione mentale, fisica e visiva in un mondo in cui non mancano le parole, ma la pura verità informativa e la volontà di saper oltre. L’impegno temporale in uno spazio predefinito per natura oppure per necessità si trasforma in momenti, interpretazioni e scelte da saper odorare, sentire, toccare e rispettare prima di renderli globalizzanti e ricchi di velocità liquida controllate da una ruota sociopolitica instabile e superficiale.

Come è cambiato l’essere umano in quanto ancora essere contradditorio?

Nei tempi e negli spazi lontani e vicini, si attraversa la maniera primitiva e sensibile del vero umano in evoluzione per alcune e presunte conquiste tecnologiche prive di responsabilità sugli effetti e sulle conseguenze future. Un gioco psicologico di forte autoconvinzione di un pensiero leggero come fonte di un voler essere supremi e potenti anche nel piccolo di un grande desiderio di appagamento ormai lontano da qualsiasi etica vera e pura. Linee ben delineate, textures delicati con colori irreali, forme sperimentali, smembrate e ricollegate su piani e visioni rappresentati da energie vibranti in un unico momento espositivo fruito per la prima volta. Attraverso l’arte scultorea di una maniera tra manualità e tecnologia, l’artista compone una sinfonia di forme, linee, sfumature, luci e vari materiali come se fosse un mondo a tutto chiuso, composto e scomposto dentro una serie di strutture a cornice in legno con aperture trasparenti e ricche di simboli e riflessioni tra un mondo esterno e quello interno. Frammenti di opere dedicate all’essere evoluto si uniscono in una composizione complessa tra tasselli aperti in legno, luci, ombre e sfumature nella loro piena unicità scultorea e concettuale. Quindi, una composizione manuale caratterizzata da una struttura a cornice sotto forma di base in legno dove si inseriscono vari elementi tra nastro di luce led, tessuto trasparente e sottilissimo come supporto della stampa figurativa fatta digitalmente tramite l’utilizzo del pvc e in un secondo momento una particolare carta. Prima della composizione finale le figure stampate vengono tagliate per poter essere appoggiate su tale pvc trasparente e una volta inserite sopra vengono coperte da una carta cinese con righe. Un’artista sperimentale che si concentra verso l’importanza del lavoro manuale legato ad un processo di unione tra gestualità tattile e tecnologia digitale come finalità artistica. Si mette in scena un’installazione scultorea di un’arte ragionata nella sua piena consapevolezza e responsabilità di fronte al saper utilizzare la tecnologia e il mondo digitale. Momenti di pensieri come riflesso di come tale essere è riuscito ad evolvere senza abbandonare mai la sua identità e senza essere coinvolto all’interno di un mondo approssimativo e cumulativo. Un essere puro che pensa, ragione e desidera intensamente arricchirsi senza mai abbandonare o tralasciare il proprio percorso identitario. Ora mi preme di pensare al modo in cui il peculiare diventa un saper guardare senza far passare alcun angolo di valore per un attimo di piacere effimero. Nei pressi della composizione scultorea vengono esposte anche alcune opere nate attraverso la tecnica ad olio e in un secondo momento stampate ad altissima qualità come una copia digitale di una manualità principe delle tecniche artistiche. Dalla raffigurazione di pecore ospiti su un pianeta estraneo e la rappresentazione di un momento onirico di una bambina sdraiata con il cellulare in mano fino ad una visione sovrapposta di punti di vista coinvolgenti, l’artista porta lo sguardo del fruitore verso una realtà riflessiva. 

Quale è la maniera giusta oppure utile per migliorare e domandare se tutto parte dall’individuale? Quanto e come riusciamo ad evolvere se l’evoluzione è già dentro di noi?